​     ENSINO DE MÚSICA: GOSTO, JULGAMENTO E VERDADE

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           Sidney Harth

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        Sempre me pareceu que um professor de música deve ser o mais cauteloso dos seres humanos. Cuidadosamente ele tateia seu caminho através de uma gama ou mais de personalidades divergentes, cada uma com subdivisões intrincadas, a cada semana, sempre tentando liderar, empurrar, avançar, mas sabendo que ele deve estar pronto para aplicar freios a qualquer momento para que ele não tenha um desastre em suas mãos. Tem que saber quando sorrir, a hora de suplicar, como demandar, o momento psicológico para ameaçar – ele não deve querer muito, ainda assim pedir o universo; constantemente aconselhar, mas nunca dar essa indicação – ele faz com que o aluno ame a ele e a música – nos momentos em que ele está disposto a desprezar violentamente os dois! Que desafio maior existe em qualquer profissão comparável?

 

        Tocar ou não tocar? – a eterna questão discriminativa sobre a qual professores ponderam é o problema mais intrigante e persistente que se apresenta durante uma aula. Deveria ao aluno ser dada uma demonstração visual e auditiva para provar um ponto? Deve ou deveria o professor ser um concertista? Embora eu não pense que qualquer músico seja um professor capaz, a menos que ele tenha tido experiência como intérprete/concertista, eu pessoalmente me coíbo de muito tocar para os meus alunos e realmente prefiro uma explicação oral, na tentativa de obter uma ideia ampla. Desta forma, o aluno analisará o problema abordado e realmente o vencerá através de sua própria mente, e não através de uma imitação muscular.

 

        Claro, há momentos em que nenhuma palavra falada é o suficiente, e o instrumento deve em desespero ser tomado em um esforço para se alcançar a lucidez por meio de uma ilustração reproduzida. Mas, em geral, eu sinto que a função de um professor sincero é fornecer orientação em vez de concertos, e é seu trabalho lutar pela personalidade do aluno na música; não o fazer, tem como consequência a transformação do aprendiz em uma cópia carbono de seu mentor. A razão fundamental para a nossa praga prevalente (especialmente em jovens americanos instrumentistas de cordas) são demasiadas "apresentações" de professores durante as aulas. Muito raramente "o meu" caminho é o melhor caminho para um aluno em particular. Meu credo pessoal sempre foi o de desenvolver o melhor potencial do estudante, guiá-lo, e ajudar aqueles que estudam a aprender a ensinar a si mesmos. Um professor bem-sucedido é aquele cujo aluno pode, depois de um período razoável de tempo, deixá-lo e trabalhar por conta própria.

 

        Rotina pode ser maçante e comum, mas também pode ser uma alegria e uma bênção para um estudante profissional ou ocupado, e por isso um dos meus primeiros objetivos com um aluno é o estabelecimento de um procedimento de prática que eu me esforço para tornar variável e agradável; a realização desse intento só pode ser feita com a pesquisa considerável de publicações contemporâneas e com uma busca mental do professor das próprias experiências dos alunos, para que a um aluno em potencial seja fornecida estimulante e importante literatura. Embora eu não professe regras fundamentais em meus métodos de ensino, uma vez que cada aluno é a " exceção que confirma a regra”, eu gosto de tê-los trabalhando em vários itens de uma vez, como se eles estivessem compondo diversas obras ao mesmo tempo, para manter o interesse e cobrir uma gama de desejos.

 

        Esses três ou quatro projetos dividem-se da seguinte forma: primeiro, um estudo – e, no caso do violino, os chamados exercícios “desatualizados" que eu continuo a achá-los muito úteis e tão bons e tão importantes quanto quando eu trabalhei com eles. Há uma grande quantidade de valor em tais bíblias técnicas como Kreutzer, Mazas, Wolfhart. A minha única crítica a esses volumes é que eles são muitas vezes impressos indevidamente, espremidos em páginas apertadas, e dependem fortemente de sinais impressos que não têm nenhum significado, a menos se explicados pelo professor. Além disso, existem demasiados dedilhados enganosos, indicações, erros de impressão, e impossibilidades reais até mesmo para um virtuoso experiente nesses volumes, que, de outra forma, são indiscutivelmente necessários. Talvez as demandas por novas impressões os levarão a ser configurados em novo formato, de modo que esses defeitos gerais serão eliminados, as deficiências apagadas, e, assim, esses textos clássicos serão mais atraentes para o jovem estudante.

 

        Enquanto o aluno estiver trabalhando em um ou dois estudos semanalmente (e certamente é ridículo ir em ordem numérica , ou tentar tocar cada capricho em um volume antes de ir para um outro livro), ele estará trabalhando em escalas, ao mesmo tempo. Eu não acredito em escalas como a coisa mais importante da prática de violino, mas eu sou antiquado o suficiente para perceber que há um número infinito de aplicações práticas de escalas (e, claro, arpejos, cordas duplas, e tudo tem relação com com eles) a ser encontradas em qualquer concerto ou sonata. Espero, contudo, que alguém se dê ao trabalho de incluir em futuros manuais escalas em intervalos de quartas, quintas, sétimas e nonas, que são a marca registrada da música contemporânea. Eu incentivo os alunos mais avançados a trabalharem nas escalas, começando com notas que não estão na armadura; a iniciarem a escala com qualquer dedo sobre qualquer corda; e a inventarem suas próprias variações na prática da escala. Com a iminente destruição do sentido fundamental de tonalidade, pode-se ver facilmente a praticidade de, por exemplo, incluir um Sol sustenido em uma grande escala de Dó, ou iniciar o Mi menor com um Mi bemol!

 

        O terceiro projeto que o aluno tentará dominar está relacionado a um problema particular que é dar tempo para ele pensar a respeito; ou alguns enigmas espinhosos, como trinados, vibratos, variações de arco, etc. (E tudo isso pode ser ensinado!). E, finalmente, ele será conectado com alguns principais trabalhos solo ou partes de peças de câmara. E, neste caso, eu tento diligentemente usar o melhor material possível.

Eu firmemente acredito em que um aluno de doze anos deva lutar, mesmo com dificuldade, para aprender a executar uma sonata de Haydn ou de Mozart (mesmo que ele não esteja pronto para isso musicalmente e, em muitos casos, tecnicamente!). O pensamento subjacente é que a associação com os mestres é uma experiência inesquecível e virá a calhar para a concentração estilística nos anos posteriores. Além disso, eles sabem o que é bom! Deve-se incutir bons gostos nos alunos sobre a escolha do material e dar-lhes uma ideia de concepção de estilo, então pode-se sentir a realização e o respeito de alguns pelos grandes compositores (e artistas) e o resgate de um bom número deles das armadilhas e da areia movediça do esnobismo, tão facilmente adquirido nas aulas de música passiva.

 

        Musicalmente, o professor deve dar o seu tudo, expor o coração, e trabalhar tão duro como ele faria para si mesmo. Mas como dosar a proximidade entre aluno? Os grandes pedagogos do passado se foram. Os grandes pedagogos do passado já se foram; os calorosos russos que praticamente adotavam seus Wunderkind (garotos prodígios), alimentando-os e cuidando deles até que já estivessem crescidos, estão praticamente extintos, e, em seu lugar, surgiram os frios e descompromissados praticantes da arte, os profissionais frios. Deveriam os professores serem "intocáveis"?

 

         Eu não defendo o relacionamento paternal com aluno; eu vi – e senti pessoalmente – de perto as tragédias causadas pelos ditatoriais "pais -professores", que não poderiam ou não deixariam seus “rebentos” pensarem por si mesmos; pelos professores que se apegam ao seu precioso estilo de vida, à sua preciosa visão das coisas. E também tenho visto grandes percalços causados por uma insistência, por parte de alguns professores, em interferir na vida pessoal de um estudante. E mesmo assim eu ainda não consigo sentir que haja um grande acordo de genuína cordialidade por parte dos professores de hoje. Acredito firmemente nessa cordialidade – ela inspira confiança na música e amor por meio do encorajamento. Se o contato entre professor e aluno é digno e gratificante, nós devemos dar àqueles que vêm aprender conosco o nosso melhor.

 

        -Perspectives In Music Education, Source Book III. Published by MUSIC EDUCATORS NATIONAL CONFERENCE, 1966.

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​​​​​        MUSIC TEACHING: TASTE, TRIAL, AND TRUTH

        By Sidney Harth

        IT HAS always seemed to me that a music teacher must be the most cautious of human beings. Warily he gropes his way through approximately a score or more of divergent personalities, each with intricate subdivisions, every week, always attempting to lead, to push, to forge ahead, yet knowing he must be ready to apply the brakes at any second lest he have disaster on his hands; he has to know when to smile, the time for pleading, how to demand, the psychological moment for threatening-he must not want too much, yet ask for the universe, constantly advise, yet never give that indication-he makes the student lave him and the music-at times when they are inclined to violently despise both! What greater challenge exists in any comparable profession?

        To play or not to play? -the eternal question discriminative teachers ponder over, is the most puzzling and persistent problem that presents itself during a lesson. Should the pupil be given a visual and auditory demonstration to prove a point? Must or should the teacher be a player? While I do not think any musician is a capable teacher unless he has had experience as a player-performer, I personally shy away from too much playing for my students, and actually prefer an oral explanation in trying to get an idea across. In this way, the student will think the problem through and actually conquer it through his own mind, rather than through a muscular imitation.

        Of course, there are times when no spoken word is enough, and the instrument must in desperation be taken up in an endeavor to achieve lucidity via a played illustration. But in general, I feel that a sincere teacher's function is to provide guidance rather than concerts, and it is his job to struggle for the pupil's personality in music, not to have him become a carbon copy of his mentor. The paramount reason for our prevalent blight (especially in young American string players) is too many teacher "performances" during lessons. Very seldom is "my" way the best way for the particular student. My personal credo has always been to develop the best potential in the student, to guide him, and to help those who study to learn to teach themselves. A successful teacher is one whose pupil can, after a reasonable length of time, leave him and work on his own.

        Routine can be dull and commonplace, but it can also be a joy and a boon to a busy professional or student, and so one of my first aims with a student is the establishment of a practicing procedure which I endeavor to make variable and enjoyable; the attainment of this end can only be done with considerable research of contemporary publications, and mental searching of the teacher's own student experiences, so that a prospective pupil will be provided with stimulating and important literature. Although I profess to no cardinal rules in my methods of teaching, since every student is the "exception that proves the rule," I enjoy having them work on several items at once, just as though they were composing different works at one time, to retain interest, and cover a multiple of desires.

        These three or four projects divide themselves in the following manner: One, an etude-and in the case of the violin, the so-called "outdated" exercises I still find very useful and as good and as in1.portant as when I worked on them. There's a great deal of value in such technical bibles as Kreutzer, Mazas, Wolfhart. My only criticism of these volumes is that they are too often printed dully, squeezed onto cramped pages, and rely heavily on printed signs that have no meaning unless explained by the teacher. Also, there are far too many misleading fingerings, indications, misprints, and actual impossibilities for even a seasoned virtuoso in these otherwise indisputably necessary volumes. Perhaps demands for further printings will cause them to be set up in new type so that these general defects will be eliminated, the deficiencies erased, and the classic texts thus made a lot more appealing to the young student.

        While the student is working on one or two etudes weekly (and it is certainly ridiculous to go in numbered order, or to attempt to play every caprice in a volume before going on to another book), he will be working on scales at the same time. I don't believe in scales as the be-all and end-all technical practice, but I am old-fashioned enough to realize that there are an infinite number of practical applications of scales (and of course, arpeggios, double stops, and all that goes with them) to be found in any given concerto or sonata. I do hope, however, that someone will eventually take the trouble to include in future manuals scales in fourths, fifths, sevenths and ninths, intervals that are the trademark of contemporary music. I do encourage the more advanced pupils to work on scales starting with notes foreign to the key, to start scales with any finger on any string, and to invent their own variations in scale practice. With the imminent destruction of key sense, one can readily see the practicality of, for instance, including a G sharp in a C major scale, or starting the E minor with an E flat!

        The third project that the student will be attempting to master is concerned with a particular problem that it is time for him to think about, or some thorny puzzles such as trills, vibratos, bowing variations, etc. (And all of these can be taught!) And lastly, he will be connected with some major solo works, or parts of chamber pieces. And in this instance, I try diligently to use the best material possible. I firmly believe in a twelve-year old struggling through a Haydn or Mozart sonata- (even though he is not ready for it musically-and, in many cases, technically!) -the underlying thought being that the association with the masters is an unforgettable experience and will come in handy for stylistic concentration in later years. Besides, they know what's good! Instilling good tastes in students regarding choice of material, and giving, them an idea of style conception, I can then feel that some include realization of and respect for the great composers (and performers), and the rescue of a good number of students from the pitfalls and quicksand of snobbism so readily acquired in passive music classes.

        Musically, the teacher must give his all, bare the heart, and work as hard as he would for himself. But how dose should student and teacher be? The great pedagogues of the past are gone; the warm Russians who practically adopted their Wunderkind, nurtured and caressed them until they were far past the age of being tied to their professor's apron strings -these men are practically extinct, and in their place have arisen the cool detached practitioners of the art, the icy professionals. Should teachers be "untouchables"?

        I do not advocate the parent-relationship with pupil; I have seen -and felt personally - the near tragedies caused by dictatorial "father-teachers" who could not or would not let their offspring think for themselves, teachers who hold on for dear life, and I have also seen great mishaps caused by an insistence on interfering in the personal life of a student. And yet I cannot but feel that there is a great deal of genuine warmth lacking in so many of today's teachers. I believe firmly in this warmth-it inspires confidence in the music, and love through encouragement. If the contact between teacher and student is to be worthy and gratifying, we must give to those who come to learn our best. 

 

       -Perspectives In Music Education, Source Book III. Published by MUSIC EDUCATORS NATIONAL CONFERENCE, 1966.

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​​       This is a wonderful article by Mr. Harth and a great read for all aspiring violinists and teachers at all levels. Thank you Egon for posting it. Mr. Harth was an icon in the music world. I'm very grateful to have studied with him. I think a mark of a great teacher is someone whose advice you can use years down the road from when it was given. I often in my practicing think back to something he said to me during a lesson and say to myself 'Oh, I see why he said that now.'

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    -From Nate Robinson at www.violinist.com, posted on September 17, 2011 at 3:13 AM.